【大人のピアノ】移調も即興演奏も作曲もできない音楽素人がピアノ教師をするようになった歴史的な背景（再掲）

ピアノ方丈記＠note

2026年5月14日 02:12

👆ノートで使用可能な画像を使わせて頂きました。ありがとうございます。

この記事シリーズは、もともと私が2010年代に、はてなブログに書いたこれらの記事👇　

の最新アップデート版としてnoteにアップした、
これら一連の記事👇
の羅列が長くなってきたので、このマガジンに格納しています👇

直近の記事はこれ！👇

もはや当記事シリーズのテーマである
「クラシック音楽はメタルか？」から
大きく逸れて内容が進行しております。

ただし、
今回の記事は、
メタル、ジャズ、ポップスを包括する
西洋クラシック音楽の大作曲家たちがほぼ例外なく訓練を受けた、
当時のインプロ(即興演奏)特訓についてですので、
ご興味のある方は、引き続きご高覧くださいませ。　

というか、
メタルもジャズもクラシック音楽も、
同じ音楽なのに、
ジャンルで隔離政策をとることのほうがおかしいと私は思うよ！
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前々回の記事で、フランツ・リストのピアノ教師稼業に関してWikipediaの記事を引用したのがこれ👇

He(=Liszt) gave up touring, and in order to earn money, he gave lessons on piano and composition, often from early morning until late at night. His students were scattered across the city and he had to cover long distances. Because of this, he kept uncertain hours and also took up smoking and drinking, habits he would continue throughout his life.[26][27] During this period Liszt fell in love with one of his pupils, Caroline de Saint-Cricq, the daughter of Charles X's minister of commerce, Pierre de Saint-Cricq. Her father, however, insisted that the affair be broken off.[28]
リストのお父さんが腸チフスで亡くなってからは、演奏旅行をやめて、お金を稼ぐためにピアノと作曲の先生をしたんだね。それも、朝早くから夜遅くまで。　演奏旅行は旅費や滞在費がかかるし、未亡人になったお母さんの面倒もみなくてはいけなかったからなのかな？(←私の想像)
リストの生徒さんたちはパリのあちこちに散らばっていたから、リストは長い距離を移動しなければいけなかったんだって。　生徒さんの都合に合わせる不規則な生活が喫煙や飲酒につながったのかな？
この頃、リストは生徒の一人で当時の通商大臣のお嬢さんと恋愛関係になっちゃって、大臣から猛反対されたんだね。　

大臣の御令嬢と、お屋敷の出入りのピアノ教師。身分が違い過ぎたんだね。

そもそも、リストのお母さんは、女中さんだったんだもんね。リストのお母さんは、恵まれない環境を必死に生きた女性だったろうね👇

👆これらから解ることは、
当時のヨーロッパでは、
ピアノの「生徒さん」のほうがピアノ教師よりも全然格が上だった！
ということだ。
ピアノ教師は、上流階級の裕福な「生徒さん」たちの御屋敷にお伺いする、「出入り」の身分だったということだ。

印象派の画家マネの奥さんも、もともとマネ家の３兄弟のピアノ教師として雇われた(けど実質的にはモネの父親の愛人だった)よね　👇

一体いつから、
ピアノ教師のほうが、生徒を自分の家に呼びつけて、上から目線で教えるようになってしまったのだろう？

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それに関して、私は、過去に別の記事で(←リンク)、こんなことを書いていました👇

実は、
少人数による徒弟制度の見習い制度による育成システムは、かつての西洋クラシック音楽の音楽家育成システムもそうだったのです。　

クラシック好きが陶酔したように崇め奉る、西洋クラシック音楽の大作曲家たちは、非常に狭い「音楽芸人」の徒弟制度の中で、育成されていきました。

クラシック音楽界で既に忘れ去られてしまった、かつて行われていた音楽家の徒弟制度については、イタリアはナポリの図書館に大量に保蔵されている楽譜が、かつてのヨーロッパで、音楽家＝作曲家＝即興演奏家をどのように育成していたかの一端を見せてくれます。

具体的には、「partimento＝ﾊﾟｰﾃｨﾒﾝﾄｩ」という、当時の即興演奏能力育成方法です。「partimento」は、英語ではﾊﾟｰﾃｨﾒﾝﾄｩと呼んでいますが、本家のイタリアでは「ﾊﾟﾙﾃｨﾒﾝﾄ」と発音するでしょうね。
「partimento」についてはこちら👇

「partimento」を紹介する人の動画(日本語吹き替え有り)👇

👆ナポリで確立した「partimento」とは、作曲家の即興演奏能力を鍛え上げるための強力なメソッドだったのです。

ベートーヴェンという「作曲オンリーで稼ぐ人」が出る以前は、
音楽家とは、自分で作曲して自分で演奏する、自作自演の音楽家だったのです。

ナポリの「partimento」は、パリのコンサーヴァトリー(英語読み)に移植され、パリからワルシャワの音楽院にも移植されていったそうです。
ショパンも「partimento」の訓練を受けたということです。（「partimento」に関する情報源については、私の過去の記事にその動画を貼ってありますので、興味のある向きは探して下さい）

つまり、本来は、
音楽家とは、作曲をし、演奏もし、王侯貴族のパトロンに「おい、ミュージシャン、退屈だから、何か気の利いた音楽を奏でろ！」と言われたら即座に対応できるだけの即興演奏能力を兼ね備えた、オールラウンドの音楽職人だったのです。

正真正銘の音楽職人の身分の中の、閉ざされた徒弟制度の中で伝承されてきた即興演奏能力育成方法である「partimento」。
その息の根を止めたのが、
ヨーロッパにおける中流階級の勃興による「お稽古ピアノ」という「素人芸」の出現です。

「ツェルニーは800曲も練習曲を書いたそうだ。よほど儲かったんだろう」と、あるアメリカの大学の音楽学部の教授が動画で言っていました(私がこの記事で書いている「partimento」の情報源の人です)が、

フランス革命によって王と王妃の首をちょん切った後、貧しい労働者階級が「中産階級」に成り上がっていく過程において、もともと王侯貴族の御用芸人であった音楽家たちは、急速にクライアントを失っていったのかもしれません。　

音楽家たちが活路を見出したのが、王侯貴族の生活に憧れる「平民からの成り上がり」組のブルジョア階級の子女にピアノを教えることだった。　

当初は、中産階級のお嬢さんたちに「partimento」を教えようとする熱心な音楽家もいたかもしれないけど、ルノワールの絵に描かれているような娘さんたちが、徒弟制度で厳しく教え込まれて伝承されるような「partimento」の厳しい特訓なんてやるはずがない。

「手っ取り早く、かんたんに、ピアノを弾きたいの ♪」なんていう、彼女たちのミーハーで軽薄な「ピアニストごっこ」志向を満たすために作曲家が作ったのが「ブルグミュラー」であり「ツェルニー」や「バイエル」練習曲なんだと思います。

素人のお嬢さんたちの「手慰み」の「ピアニストごっこ」願望を叶えてあげて、「お上手ですね～」なんておべんちゃらを言って持ち上げる「太鼓持ちレッスン」が、儲かったんだと思いますよ。

ところが、
一般大衆のご機嫌をとるようなことになると、一般大衆の次の世代には、「誤解」が「常識」になってしまう危険がある。

つまり、
ピアノのお稽古第一世代が勘違いして「楽譜どおりに間違いなく弾けば褒められる⇨ピアニストになれるかもしれない！⇨ピアニストになりたいの！」と言い出したのではないか？

そのために、パトロンからお金を放ってもらって生きて行く稼業の音楽家たちがお金欲しさに手を染めたのが、音楽の一般大衆教育ではなかったか。

じつは、I　とか　V　とかの和音は、
バッハやベートーヴェンは使っていなかったそうです。
彼らが使っていたのはカウンターポイントと「partimento」なのです。

でも、
今のピアノの先生は、カウンターポイントも書けないし、即興演奏なんてほとんど出来ないでしょ？
それは、彼らが本物の音楽家ではないからです。

「プロ」のピアニストを名乗っているのにもかかわらず、
歌い手さんの声域や、フロント楽器の音域に合わせて、その場でキーを半音ズラして伴奏することすらできない！
雇い主(歌い手・ソリスト)の要望に即座に応えられないくせに、
「ピアノで即座に移調して弾くのは難しいのに、歌手やソリストはわかっちゃいないんだからー！」
ってさ、
わかっちゃいないのは、あんたの方だろーが！
超一流のピアニストさんは、瞬間移調演奏や、現場ですぐに楽譜を書き換えることなんて、息をするかのごとく簡単にやってのけることを、あんたは知らないんだね！　
あんたは「わかっちゃいないんだからー！」って言うことによって、
自分は素人です！って公に宣伝しちゃってるんだよ！
それさえにも気がつかない。あちゃー😵！　救いよう無し。
でもさ、
その齢になるまで世間知らずで雨露しのげて生きて来られたことを、
くれぐれも御両親に感謝なさって、
年老いた御両親の面倒を親身に見られることですね（遺産をもらうためにも）。

つまり、ほとんどの「ピアノ教師」や無名の「プロピアニスト」は、
「素人向けのピアノのお稽古」レベルの訓練しか受けていないのです。

そういう意味では、
世に多くある音楽大学の大半が「ピアノのお稽古」の延長でしかないということになります。

だから、
音大を出ました！　音楽留学しました！
だけでは、本物の音楽家であるわけがない。
実際に、本物のプロたちがしのぎを削る音楽業界から、はなっから相手にされなかったでしょ？

ひどい場合は、
「初心者限定」や「シニア限定」と対象を限定して、ズブの素人相手だけを相手にピアノなんかを教えている。　

どうして教える対象を「限定」しなければならないのか？
彼女らは、ちょっと腕に覚えの有る「大人のピアノ経験者」に、演奏や音楽知識で負けるかもしれないということを、自覚しているからです。

先生である自分が、生徒よりも「知らない・弾けない・弾いても下手」なことがわかってしまったら、自分の親がつぎ込んでくれた巨額の「ピアニスト(最悪でもピアノ教師)」育成費用が、「サンク・コスト(沈没費用)」つまり「ドブに捨てた大金」であることが、白日のもとにさらされてしまう👇

だから、

「初心者限定」や「シニア限定」と対象を限定して、ズブの素人だけに教えようとする。
ズブの素人しか相手にできないようなレベルのピアノ教師が、演奏のプロであるはずがないのです。

ところが、
クラシック音楽家の徒弟制度が事実上絶滅してしまっても、
今もどこかで、本物の音楽家の育成が行われている。
だから、音楽は途絶えないのだ。

現代における音楽家の育成は、
ライブハウスで、レコーディングスタジオで、
今この瞬間も行われている。
少人数制の徒弟制度のようなやり方で。

この徒弟制度の門をくぐれるのは、
10代をオタクのように、音楽に没入して、
先人たちの演奏を完璧に再現演奏できるぐらいコピーして弾きこんできた若者たちである。

先輩ミュージシャンたちに「見込み有り」と思われたミュージシャンの卵には、次のライブの演奏のお声がかかる。　
そこで結果を出せば、またその次のライブに呼んでもらえる。

一つ一つの仕事を着実にこなすうちに、先輩ミュージシャン経由で、
他の人たちにも紹介してもらえて、やがて、
先輩のバンドのサポートメンバーに加えてもらったり、
バンドが募るオーディションに応募して正式なメンバーになったりして、
音楽業界のトップの演奏家だけで構成される一流の世界に引き入れてもらえる。　
そこまできたら、最初の頃に比べたらかなり楽になっているはずだ。　
自分の演奏に「信用」が出来たからである。　
演奏を頼む先輩ミュージシャンたちも、自分の仕事案件を失敗させるわけにはいかないから、過去に一緒に演奏して実力が判明している若手に声をかける。　

こうして、音楽業界の頂点に在る、超一流のミュージシャンたちだけで構成される本物の音楽家の世界に、自分の場所を持つことができるようになる。　

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今回の記事は以上です。

以下は、前回までの記事の内容です👇
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「フランツ・リストのリサイタルは即興演奏がふんだんに含まれていた」という内容をどこかで読んだ記憶があったので、
手っ取り早くWikipediaを見たら、👇

こんなことが書かれていた👇

A renowned child prodigy, Franz began to improvise at the piano from before the age of five, and his father diligently encouraged his progress.[7]
　👆いわゆる神童ですね。フランツ少年は５歳のときに既にピアノで即興演奏していたんだね。　大作曲家や著名ミュージシャンに共通するエピソードだね。

Liszt coined the terms "transcription" and "paraphrase", and would perform arrangements of his contemporaries' music to popularise it.
　👆「トランスクリプション(採譜)」という言葉を最初に使ったのはリストだったんだね！へー！

Like Czerny, Salieri was highly impressed by Liszt's improvisation and sight-reading abilities.[15]
　👆ツェルニーやサリエリは、リストのインプロ(即興演奏)と初見演奏に舌を巻いたんだね！　リストのインプロ聴いてみたかったなー！

👆これらから、
リストは、子どもの頃から非常に優れたインプロヴァイザー(即興演奏家)だった。
インプロ(即興演奏)できる子どもが、音楽文法と作曲テクニックをガチに学ぶと、プロの作曲家になる。
現代でも、プロの作曲家は演奏活動もするよね。
演奏家が作曲活動もする。
リストはヴァーチュオソ(演奏の名人)だった。

👆つまり、
　クラシック音楽では、
　作曲家＝即興演奏家＝演奏家
　の３拍子揃っているのが、プロの音楽家だ。

👆３拍子揃っていないと？
　アマチュアということですね。　

👆一体いつから、
　即興演奏も作曲もロクにできないアマチュアが、
　プロ気取りで演奏したり教えたりするようになったのだろう？

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と書いたんですが、

こう書くと、
「フランツ・リストは特別なのです！」
という声が聞こえてきそうですが、
そう言う人たちは、そう言うことによって、
「私はピアノ素人でーす！」
って言っていることになるのを、私は知ってるよ。

実は、
ベートーベンとかショパンとかリストとか、
今はもう歴史に埋もれてしまった無名の作曲家たちも含めて、
西洋クラシック音楽の作曲家たちは、全員もれなく、
プロの音楽家になるためのインプロ(即興演奏)特訓を受けていたことを、
あなたは知らないね？

私は、
そこらへんの普通の一般大学を出てから
一般企業で働いた、
ごく一般的な音楽素人だけど、
どういうわけか、
あなたよりも知っていることがあるんだなこれが。

21世紀は、世界中の優良な動画コンテンツが見放題だからね！
優良なコンテンツをディグって視続けていると、
素人でも、怠け者の「プロ」よりも物知りになれるのが、
「風の時代」とか「魂の時代」っていうんですか？
令和の時代は、
怠け者の無能なプロや専門家よりもAIに聴いたほうがよっぽどマトモな答えをくれるしね。

というわけで、
私が視ていた動画のひとつに、
「クラシック音楽の作曲家たちは、例外なく即興演奏したのに、
クラシック音楽の即興演奏の伝統は、事実上絶滅してしまった」
という内容の動画が有ったんですよ。

そもそも、
クラシック音楽の作曲家というのは、
もれなく即興演奏家であり編曲家でありソリストでもあり音楽監督でもあった！
オールラウンドなミュージシャンだったそうですよ。

それを示すかのように、

モーツァルトもリストも「神童」と呼ばれた。
なにが「神童」だったのか？というと、
子どもでありながら、ちゃんとした曲を作曲したり、即興演奏をした。
という点が「神童」と呼ばれた理由だったわけでしょ。

👆と、ここまでは、
フランツ・リスト君は、現代でいったら、ヤマハがやっている子ども作曲コンクールの最優秀賞レベルの子っていう感じだよね。
ところが、子どもから、現代の中高大学生ぐらいの間に、
リスト君は、当時の音楽業界のメジャーな作曲家から、
大人の作曲、つまりプロの作曲手法を教えてもらって、音楽業界にデビューしていった。

さっき引用した：
Like Czerny, Salieri was highly impressed by Liszt's improvisation（以下略）
から想像できるのは、
ツェルニーも、サリエリも、リストの即興演奏に舌を巻いただけではなくて、
「こんなにスゴい即興演奏ができるリスト君は、プロの作曲テクニックを仕込めば、将来はすごい作曲家になるぞ！」
ってリスト君の作曲家としての将来性に期待したからでしょ？
だから、Wikiにあったように、
ツェルニーだったっけ？(⇦Wikiで確認して！)は、
「リスト君、授業料は要らないから、タダで作曲を教えよう！」って、無料で教えてあげたんだよ。
それくらい、
「リスト君は、これからの音楽をネクストレベルに押し上げてくれる、大作曲家になる有望株だぞ！」
と、当時のメジャーな作曲家たちが思ったわけだ。
それは、
リスト君の即興演奏能力が、そう思わせたのだ。

どうして、
当時の作曲家(=音楽家)が、即興演奏の能力に注目したか？
というと、当時は、
プロの音楽家になるための訓練を受けると、もれなく即興演奏ができるようになる！
という特訓が、プロの音楽家養成システムに組み込まれていたからだ。

それが、これだ👇

A partimento (from the Italian: partimento, plural partimenti) is a sketch (often a bass line), written out on a single staff, whose main purpose is to be a guide for the improvisation ("realization") of a composition at the keyboard.[1]
と説明にあるように、音楽家の卵たちは、
👇のようなベースラインに基づいて、和声法に則った音楽的な即興演奏をする訓練を受けたんだって。
👇あ、この記事をコッソリ読んでいるピアノの先生や、音楽コンテンツを有料販売するような「プロ」の音楽専門家さん、ちょうど初見演奏に良い教材だから、今すぐここで初見で弾いてみてくださいよー。ベースラインだけだから、皆さんにとっては、二段構えの楽譜の初見より全然かんたんでしょ？👇

とはいっても、

当時、西洋クラシック音楽の作曲家たちが受けたインプロ(improvisation 即興演奏)の訓練は、
現代のインプロとはちがうみたいだね、って当たり前か！
現代のインプロはこんなだもんね👇

これはインプロというよりちゃんと曲があってのアドリブ演奏かな？👇

これはインプロだね👇

これもインプロだね👇

👆これらのような、現代のインプロと、西洋クラシック音楽のインプロは違うけど、

西洋クラシック音楽の大作曲家たちは、
当時のプロミュージシャンの絶対必要条件だった当時のインプロを、
さっきも書いた「partimento」と呼ばれる訓練で仕込まれたんだって。

現代はすごいね！
もうこんな動画主さんが出現しているよ（日本語吹き替え版有り）
人によっては、キートランスポーズ機能のあるケンバンを手元に置いて視ると便利かもね👇

👆あなたの「移動ド」が試されるね。

「partimento」は、その総本山であったイタリアのナポリから、パリの音楽院に移植され、パリからワルシャワに～、、、と、ヨーロッパ各地に移植されていったという。
「ワルシャワの音楽院に移植」ということは、ショパンも「partimento」の訓練を受けたということだね　👇

👆今回「partimento」を知った動画を検索したら、この動画主さんを見つけてしまって、私はこれからこれらの動画を視たいので、
今日の記事はここまでです。

ちなみに、
すっかり忘れ去れていた「partimento」に、現代の日の目をみさせたのは、この人の本だと思います👇

👆円安の折でむちゃ高いー！私は、かなり前に買ったけど、最初の10ページぐらいしか読んでません(自慢することじゃないよ)！
👇この人が著者らしい👇

こんな面白そうな動画も見つけたのでこれから視ようと思って貼り付けとくよ👇

今回の記事は以上です。

関連記事👇

前回の記事の最後の部分です👇
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今まで貼り付けた動画などを、そのまま貼り付けておきます👇
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バロック＆古典派と、ロマン派の音楽の違いのひとつは👇
これじゃないかなぁ？と私は思うんですけどね…👇

ロマン派の例（その①）👇

ロマン派の例（その②）👇

👆ロマン派に対して、バロック派や古典派の音楽は👇

👆バロック＆古典派、そしてロマン派、
　どちらもマイナーキーの暗い曲調で、激しい暗さが有るんだけど、
　何かが違うと感じませんか？

　何が違うんでしょうか？

👆ここですよ！ここ！これが「音」の歴史でしょ！？
ここからは、私みたいなどこの馬の骨とも分からない者よりも、
大人にピアノを教えているピアノの先生方や、大人相手に教材を売っているような専門家？さんたちに、ぜひ答えてもらいましょう！

と書きましたが、

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👆私の個人的な印象ですが、
どちらも同じような「激しく暗い」音が鳴っているんだけど、

バロック＆古典派は「ディミニッシュコード」。つまり、
「マイナー3rd（短３度）」を積み上げた「減３」や「減７」の和音。

これに対して、

ロマン派は「ハーモニックマイナースケール」。つまり、
「増２度」＝「♭６ - ７」のインターバルを持つ音階。

の違いではなかろうか？

と勘繰っておりますが、
大人相手にピアノを教えたり、コンテンツを切り売りしておられる、「プロ」の音楽の専門家の皆様は、どう思われますかね？

以下は、前回の記事からの抜粋です👇
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【大人のピアノ】でクラシックピアノを楽しむ「大人」の方々の特権とは、「大人」に成ったからこそ理解できるような、
「ソナタ形式」とか「フーガ形式」とか「和声進行」といった
音楽理論を使って、
作曲家本人によって楽譜の中に組み込まれた、曲の「情感」や「ムード」や「世界観」に思いを馳せながら楽しく楽譜を再現演奏するのが、
「大人」のクラシックピアノなんじゃないでしょうかね？

かくいう私も、半世紀前の子ども時代に、
子供向けのピアノのレッスンは「子ども向けなんだろうな」
と、うすうす感づいてはいましたが、
中高年になった今から振り返った時の一番の後悔は、

「オルタード音が作るテンションコードによるディソナンス(不協和音)」と「コードスケール理論の実際の内容」にもっと親しんでおけば、
オバハンになってからこんなに苦労はしなかっただろうに。。。。
ということです。
言い換えれば、
「10代からジャズをディグっておけばよかった！」
ということですね。

そんな子ども時代の私ですら、
小学校の高学年になったら、ピアノの先生から
「ソナタを作ってきなさい」という宿題を出されましたよ。
ベートーベンのソナタを何曲かやらされた頃合いだったと思います。

もちろん、
レッスンの合間にオーブンでパンを焼くような「ママさん主婦のピアノの先生」の教室だったので、
お子さまでもわかるような、ごくごく簡単な「ソナタ形式」を教わって、
その形式にのっとって、「ソナタの第１楽章を作ってきなさい」という宿題でした。　

当然、当時の私は、
この一連の記事でやったような「モード(旋法)」なんて知るよしもないし、
和音はすべて「３和音(トライアド)」だと思っていましたし、ましてや
「カウンターポイント(対位法)」なんて聞いたことも有りませんでしたから、明らかに「お子様ランチな作曲」でした。おままごとですね。　　

それでも、
「西洋クラシック音楽には、ちゃんとした理論的な形式があって、作曲家はそれにのっとって、理路整然と曲を作るんだなぁ」と、
子どもながらに思いましたよ。

で、
私が作った「お子さまソナタ」は、
悲しいくらいに「なんちゃってベートーベン」になってしまいました。　
次のレッスンで、私はうなだれながらその「なんちゃって」な自作曲を弾きました。
そしたら先生は「誰でも最初はベートーベンみたいな曲になっちゃうのよね」と言いました。

これは、私のせいではなくて、
直近までベートーベンのソナタを何曲かやらされていたんですから、
子どもの脳は「ソナタ」＝「ベートーベン」になっちゃっているわけでして、
もしも、現代音楽のソナタでもやらせてもらえれば、違うベンチマークも持てたから、もっとちがう感じにできたかも、というのは土台無理な話で、
現代音楽のソナタは、片手で10度以上が届く「ピアノ教育国のカースト制度における上級国民の手」じゃないとマトモに弾けない曲ばかりだもんね、と、今思います。　子どもの手ではとても無理ですし、今の私の手でも無理ですよ。　

ここまでお読みになられた、カンの良い方は既におわかりのとおり、　
じつは、
西洋クラシック音楽の作曲家は、
自分の作品自体の中に、あらかじめ、　
その作品が醸し出す「世界観」を仕込んでいるのですね。　

だから、
ピアノの先生が「そこは歌うように」とかね「そこは厳粛に」とか指示する以前に、　
当の作曲家本人が、曲の中で表現してもらいたい「情感」や「ムード」について、五線譜に書いた音符の組み合わせや長さやリズムによって、既に「このように表現してほしい」という指示を出しているんですよ。

今はこの世に居ない、作曲家本人の「その部分はこういうふうに弾いてくれ！」という思いは、楽譜の音符たちの配置が、雄弁に物語っている。そして、それを汲み取るために、必要なのが、音楽理論なのであーる！
ということに、クラシック音楽では、なるんでしょうね。

ジャズなどの即興演奏在りきの音楽ジャンルは、演奏者＝作曲家ですから、ジャズ人たちは、コードやモードを自由に使いこなせるように、単調な「覚える」作業を、黙々と続けて、セッションに行っては落ち込み、また奮起して黙々と続けて、音楽理論を脳にしみ込ませようとしている。

私の子ども時代の「なんちゃってベートーベン」ソナタが、どうしてベートーベンっぽくなってしまったか？
ですが、
ベートーベンっぽく聞こえるような和音やリズムを、聴きよう聞きマネで使って、曲を作ったからでしょうね。

たとえば、
当時の私が「これってベートーベンっぽいな」と思ったのが👇

①減３和音・減７和音と、増３和音
　直前までやらされていたバッハインベンションとかモーツァルトなんかには、「激しく劇的なシリアス感」を持つこれらの和音があまり無かったなぁ、と思ったんです。
それが、ベートーベンをやらされるようになったら、なんだかよくわからないけど「やけに大仰で激しい雰囲気の曲だなぁ」と、私は斜めから醒めた耳で思っていたのです。
そして、
「ソナタ」＝「ベートーベン」と刷り込まれた子ども時代の私が、「ソナタを作ってこい」宿題を出されれば、当然「ベートーベン」の方向へ振るわけですよ。　だから、
やたらめったら減３和や増３をつかいまくり、見よう見まねで減７をドミナントで使ってみたりと、「激しい劇場性」を曲中に盛っていくと、おのずとベートーベンっぽくなるでしょ？👇

ディミニッシュコード（減３や減７）を使った典型的な曲がこれ！👇

②「ベートーベンのソナタ」にありがちな、単純でワンパターンなアルペジオ
これも、子どもの時に「つまんない曲だなー」っと思った「ベートーベンの手癖」ですね。
　①に、この「単純ワンパターン」アルペジオを組み合わせると、ますますベートーベンっぽくなる。
　メタルの素晴らしいギターで聴いても、終盤飽きてくるのは私だけ？👇

③「ベートーベン」にありがちな、クドい展開　
これはどちらかというと「運命」の最終楽章のアウトロに影響されましたね。　あれクドイよねー！　子どもの頃、マネして歌って一人でウケてたからね。　ジャーン、ジャン、ジャンジャンジャーン。。。。。ジャンジャン、ジャーーーン、ジャーーン、。。。。みたいに。延々と「キメ」が続いて、そのうち飽きるどころか笑えてくるもんね　👇

以上の①②③を盛り込めば、「なんちゃってベートーベン」になるでしょ？　

これらに加えて、私がオバハンになってピアノを再開してから教わった
「ベートーベンの手癖」は、これです👇　

④低音域で密集配置和音をドーンと弾く！　
これは、ピアノ再開直後に一時期習った作曲家の先生が言っていたことです。たとえば、左手で「C2 E2 G2 C3」（←中央のC＝C４とする）
のコードをドーン！と弾くと、低音が汚く濁った和音が鳴るでしょ？
この「低音部の汚い響き」がベートーベンならでは！なんですって。　
これは、アコピで弾くと、その汚さが際立つだろうね。アコピの低音弦が共鳴していろいろな倍音が鳴るから、濁った音になるらしいね。　
この「低音レンジのクロースポジションコード弾き」は、当時の音楽の常識からみたら「掟破りの汚さ」だったかもしれないね。

もうひとつ、オバハンになって知った
「ベートーベンの手癖」的なアイテムは👇　

⑤「N６」和音　
　👆ネット検索すればすぐでてきます。　
「月光ソナタ」の第１楽章のイントロ部分にある、「ハッとする展開」の部分に使われている「D/F#」のコードのことです👇　

👆「N６」コードは、ライオネル・リッチーの「Hello」のBメロにも使われていると、私が買った『Tonal Harmony』には書いてありましたよ。

日本の歌謡曲では、今は前川清が歌っている「東京砂漠」のイントロ部分にも「N6」コードが使われているね。

「月光ソナタ」の１楽章であまりにもシグナチャー的に使われているから、あまり多用はできないけど、ソナタを作る際に、中盤か終盤のどこかで確信犯的に「N６」を使う展開を盛り込んでおくと、「ベートーベンの月光」のベタな世界観が飛び出すから、ウケ狙いにはいいかもね。　

このように、
作曲家は、作品の音符の配置の中に、「この部分はこういう感じに弾いてくれ！」っていう思いを込めているんだよ。　

楽譜の中の、今は無き作曲家が残した意図に耳を傾けて、それを再現するのが、西洋クラシック音楽ではないのかな？

そのために、知っていると便利なのが、音楽理論や音楽文法なのでしょう？

というか、

音楽理論や音楽文法を全然知らないで楽譜どおりに弾くのは、「平家物語」の文章の意味が全然わかっていないのに、完璧な発音と声で朗読して、先生に指示されたところは「重々しく」とか「優雅に」とか「歌うように」、ただ機械的に唱えているだけのことと、同じになっちゃうんじゃないかな？

たとえば、
フランツ・リストの「ハンガリアン・ラプソディ No.2」の冒頭部は、どうしてあのように、不気味さが有って、ダークで激しさも感じられる曲調なんだろうか？
それは、
リストが、あの曲を作曲する際に使ったコードやスケール(モード)やリズムが、そうさせているからだよね？

前回の記事でフィーチャーした「西洋クラシック音楽の基本的な和音進行」もそうだよね。

前回貼り付けた動画の、たとえば「ははうえさま」が、西洋クラシック音楽とは全く異質の、「白でも黒でもない、善でも悪でもない、明るくも暗くもない、ふわふわしたホリスティックでインクルーシブな」穏やかな音楽世界を醸し出すのは、「ははうえさま」の和声進行が「西洋クラシック音楽の基本的な和声進行」と根本的に違うからじゃないのかな？　👇

ベートーベンの「月光ソナタ」の第１楽章のイントロ部分の「N6」コードで聴く人が「ハッとする」のは、ピアノ奏者が「ハッとさせる」ように弾いているのではなくて、もともとベートーベンが「N6」という、意外性のある展開を生み出すコードを仕込んでいるからでしょ？　
先生が「ここはこうひくように！」なんて余計な指示をしなくても、
ベートーベンがちゃーんとそう聞こえるように曲を作っているんだよ。

自分が知っている範囲の音楽理論や音楽文法を使って、
楽譜に書いてある音符の、その向こうに、言葉による説明では無くて、しかし言葉よりも雄弁に表明されている、作曲家本人が意図した音楽世界観に、思いを馳せながら楽しく演奏するのが、【大人のクラシックピアノ】なんじゃないのかな？と私は思います。

今回の記事は以上です。　関連記事は👇

以下は、前回の記事をそのまま貼り付けておきます👇
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ジャズでは「ツーファイブ」とよく言われますが、
西洋クラシック音楽の基本中の基本の和声進行である、
「ミ ⇒ ラ ⇒ レ ⇒ ソ ⇒ ド」は、
「iii ⇒ vi ⇒ ii ⇒ V7 ⇒Ⅰ」のことです。
　👆小文字になってるのはマイナーコードです。アメリカ式です。私はアメリカは基本的にあまり好きではありませんが、マイナーコードを小文字で書くやりかたは、一目でマイナーコードとわかるので好きです。

【大人のピアノ】ですから、
「中央のドを覚えましょうね！」ではなくて(笑)、
「中央のC(またはハまたはツェー)」ですので、

「ミ ⇒ ラ ⇒ レ ⇒ ソ ⇒ド」は、もちろん移動ドベースです。
「iii ⇒ vi ⇒ ii ⇒ V7 ⇒Ⅰ」も移動ドですしね。

たとえば、
C＃メイジャーのキーだったら
「ミ ⇒ ラ ⇒ レ ⇒ ソ ⇒ ド」は、
「E#m ⇒ A#m ⇒ D#m ⇒ G#7 ⇒ C#」ですね。
👆「#」を取れば、Cメイジャーのコードになる。　

👆これ、「ツーファイブ」の連続ですね。

👆ギターの開放弦の音に似てますね。　　　

「ⅣとⅦはどこへ行った！？」
　という声が聞こえてきそうなので、

「ファ(Ⅳ)」と「シ(vii°)」を加えると、こうなるそうです👇　

「ミ ⇒ラ ⇒ [ファ⇒レ ] ⇒[ シ ⇒ ソ ] ⇒ド」
「iii ⇒ vi ⇒ [ Ⅳ ⇒ ii ] ⇒ [ vii° ⇒ V7 ] ⇒Ⅰ」

これが、
クラシック音楽における、基本中の基本！の和音進行だそうです。
繰り返しますが、私が言ったわけではありません。
冒頭のリンクにある楽典の本に、そのように書いてありました(これ)👇

もちろん例外はたくさんあるそうで、

たとえば、
「ミ⇒ラ⇒[ファ⇒レ]⇒[シ⇒ソ]⇒ (ﾟдﾟ)！ラ(vi)」と、
「偽終止」でしたっけ？みたいに終わることや、　

「ミ⇒ラ⇒[ファ⇒レ]⇒[シ⇒ソ]⇒ド、ｱ～ﾒﾝ(^人^) ファ(Ⅳ)⇒ド(Ⅰ)」
と「アーメン終止」になったり、

「ド(Ⅰ)⇒ソ(Ⅴ7)⇒ド(Ⅰ)」と、
授業の最初のお辞儀パターンになったり、

「ミ⇒ラ⇒[ファ⇒レ]⇒[シ]⇒ド」と、
「ソ(Ⅴ7)」が無いばあいとか、

「ミ(iii)⇒ファ(Ⅳ)⇒ド(Ⅰ)」と、
「讃美歌」的なコード進行もあるそうですが、、　

基本パターンは、
「ミ⇒ ラ ⇒ レ ⇒ ソ ⇒ド」
「iii ⇒ vi ⇒ ii ⇒ V7 ⇒Ⅰ」

の「ツーファイブ」進行で、

これに「ファ」と「シ」を加えると、
「ミ ⇒ ラ ⇒ [ファ⇒レ] ⇒ [シ ⇒ ソ ] ⇒ド」
「iii ⇒ vi ⇒ [ Ⅳ ⇒ ii ] ⇒ [ vii° ⇒ V7] ⇒Ⅰ」

になるそうです。

👆どうして「ソ(V7)」だけ「7」が付くのか？については、
　　ネットで検索すると、たくさん情報が出てくると思います。
👆「シ (vii°)」に付いている「°」についても、
　　ネット検索すればすぐわかります。

今日は、ちょっとした小ネタでしたが、

以下の曲の和音進行は、どうですかね？👇

西洋音楽の基本和声進行：
　「ミ ⇒ ラ ⇒ [ファ⇒レ] ⇒ [シ ⇒ ソ] ⇒ド」
「iii ⇒ vi ⇒ [ Ⅳ ⇒ ii ] ⇒ [ vii° ⇒ V7] ⇒Ⅰ」

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今回は、一連の「リスト＝メタル」記事として、
リストの「ハンガリアン・ラプソディ No.2」の楽譜の最初のページを、
「なんちゃって！アナリーゼ(楽曲分析)」したお遊びの、まとめです。　　
私が今回、楽曲分析してわかったことは：

⓪「リスト？超絶技巧。怖い！」という、まったくもって不要なネガティブな先入観を払しょくできた！
これがいちばん大きかったですね！
最初の１ページだけを、お遊びで楽曲分析しただけですが、西洋音楽ですから、クラシック音楽もメタルもジャズも、コード(和音)とモード(旋法)を組み合わせてハーモニー(和声)を作って奏でているわけです。　だから、

「Ⅰ」とか「Ⅴ7」とかを当てはめなくても、「C#m」とか「G#7」とかを当てはめて、旋律に使われているテンションノートからモードがわかれば、ジャズやメタルの人は、もうすぐに「ハンガリー狂詩曲第２番」でアドリブ演奏ができちゃう！　

その例が、前回までの記事に貼り付けた、クラシックの名曲をエレキギターで演奏するメタルのギタリストたちの動画であり、オイゲン・キケロによる「ハンガリー狂詩曲第２番」のジャズバージョンです。

お遊びで楽曲分析の真似事をするだけで、楽譜どおりに弾かなくても、弾けなくても、和声的なハードルは無くなってしまう。

そして、私は実際に、このピアノ曲を楽譜をピアノで弾くことはしません。
私の練習不足ではありません。
私の手の大きさ(というか小ささ)では、この曲は完全に規格外だからです。
１ページ目の「キメ」をオクターブ和音にしっかり届かないので、演奏を「キメる」ことができません。　メジャーキーに転調してからの中盤以降のオクターブユニゾン乱れ打ちをしたら、私の手が死ぬも死なないも、物理的に届かない。

この曲は、片手で12度が届いたといわれる、ドイツ系の大型人種が作って弾いた曲です。

たとえば、身長160cmの人が、八村塁選手と一対一で勝とうとすることって、意味ないでしょ？　　
身長が190cm人は別だよ！　八村選手と身長があまり変わらなければ、負けるとわかっていても、マトモに挑めるから、いいゲームができるよ！　
だけど、あなたが身長160cmしかなかったら、そもそもゲームにすらならないでしょ？　
もともと規格が違うゲームに、真っ向から挑むのって、あなたが、良くて「玉砕」、ふつうは「相手にすらしてもらえない」のが、目に見えてるでしょ？　
そういう「犬死に」を避けるのが真っ当な賢者だと、私は思っています。
それに、コードとモードがわかったら、ジャズやメタルなどの他ジャンルで斬っていくことができます。
そして、もしかすると、リストの原曲よりもカッコイイ、メタルアレンジやジャズアレンジができるかもしれない！って、今まで貼り付けたメタルやジャズの演奏家が、それを証明しているでしょ？

①ちゃんとした作曲家は、モード(旋法)でメロディ(旋律)を作っている。
　もちろん、コード(和音)+モード(旋法)を使ってハーモニー(和声)を作っている。

②超一流のピアニストは、何から何まで楽譜どおりに正確に演奏しているわけではない。
　モード(旋法)内の音をつかってテキトー弾きしていることもあるが、モード内の音を弾いているから、聴く人の耳には「ミスタッチした！」に聞こえない。　

③ところが、クラシックピアノ教育では、モード(旋法)について教わることが、ほとんど無い。　
　あるのは、長音階、自然的短音階、和声的短音階、旋律的短音階の４種類だけと、それを五線譜に書かせてテストするだけ。
　「スケール練習」は、親指くぐりの練習になってしまっている。
　つまり、皮相的で薄っぺらい、使い物にならない「知識」にとどまってしまっている。
　だいたい「知識」というものは、実際の現場では使い物にならない程度のものである。

④　使い物にならない「知識」しか無いのに、「知っている」と信じて疑わない「勘違い野郎」が、クラシック音楽の世界に多い。　
　「楽典の本にドリアンとかいろいろ書いてあって、音高入試の時に覚えるのが大変だったな～」(←私がピアノ会に参加していた頃に、実際にクラシックピアノ人から言われた言葉)　って、メタルやジャズを求道している人の前で得意げに言っても、自慢にもならないばかりか馬鹿だと思われるのがオチだよ。　
丸暗記したぐらいで試験の答案用紙に音符を並べて書けた程度の「知っている」と、それをいつでもどこでも自分の手足のように自由に使いこなせるのとは、全く別のことでしょ？　

⑤　ちゃんとした作曲家は、数オクターブのラン(細かい音符の列を高速弾きすること)に使ったモードに変な＃や♭なんかを付けてこねくり回すようなことは、しない。　
　　①に関連することですが、
フランツ・リストも坂本龍一も、ちゃんとした作曲家であるということです。　
私の個人的な経験ですが、以前私が曲を作ってみたときに、坂本龍一が属７コードの右手のランで使ったスケールを、私も真似して属７のコードで使ったら、そのランの中の音符を３か所ぐらい、若い「作曲家」さんに手直しされました。
特定のスケールでしっかり決まっているランの音符のうち３個ぐらいを変えてしまうのは、演奏者に「ミスタッチしろ！」と言っているようなものではありませんか？　高速道路に岩を置くようなものだよ！
そういうね、楽譜を無駄にややこしくして演奏者が弾きにくくすることは、ちゃんとした作曲家はやらないと思うよ。　
少なくとも坂本龍一はそんなことしていない（例えば、YMOのデビューアルバムのA面２曲目「Firecracker」のピアノのクロマティックスケールのランや、アルバム「/05」収録の「Thousand Knives」の属７部分のディミニッシュスケールのランなど）。

⑥　ピアノ教育における「楽譜の絶対視」への疑念
　②に関連して、
「リストの再来」と呼ばれたピアニストが、「ハンガリアン・ラプソディNo.2」の名演奏(レコード化された)で、楽譜どおりに正確には弾いていないのだから、素人が楽譜どおりに弾けないのは当然。
むしろ、楽譜どおり正確に弾けたら、その人は、人間じゃなくて、神か、機械だ。
生身の人間に「神か機械になれ！」と強要するピアノ教育は、人類の人間性(ヒューマニティー)に対する虐待行為ではないのか！？　
人間だもの！相田みつを！
私は人間なので、弾き間違えたら、よかった、人間だった～！そして今日も私は生きていた～！って思う。
だって、
人間が間違えなくなるのは、その人が死んだ時だから。

っていう感じですかね？

え？　
「これがアナリーゼの感想か？」ですって？

ええ、そうですよ。
私、単なる音楽素人ですから。
　作曲家でも音楽理論家でもピアノの先生でもありませんから。
「教会旋法であーる！」　とか、
「カデンシャル6-4であーる！」　とか、
「パワーコードだぞ！」　とか、
「Ger(+6)であーる！」　とか、
名前だけ知ってても、ピアノが弾きやすくなるわけでも何でもないもんね。

私がモード(教会旋法)を当てはめていったのは、
リストがどんなモードを使って作曲したのか？を知りたかったからだよ。
使われているモードがわかったら、
「リストの再来」ピアニストさんが弾いているみたいに、「数オクターブにまたがって細かすぎる音符が沢山並んでいる箇所(ラン)」は、楽譜どおりに正確に弾かなくても、モードを使って弾けばミスタッチには聞こえなくなるでしょ？
つまり、自分の演奏がしやすくなるじゃない？
それを確認するために、モードを当てはめてみただけだよ。

それから、私がやったような、
各コードに対して特定のモードを当てはめたうえで、
さらにその場で即興演奏しているのが、ジャズ人たちだよ。　
メタル人は、ハーモニックマイナーや平調子(ひらぢょうし)のスケールをギターで黙々と練習して使いこなせるようにして、即興演奏する。　
ジャズやメタルでは、コードにモードを当てはめるのは、アナリーゼでも何でもなくて、ごくふつうにやっていることなんだよ。　

Ger(+6)和音についても、
「ここのキメの部分にGer(+6)があるな」とわかってれば、
おのずと弾く音が予想できるから、弾き間違いを減らせるよね。
「Ger(+6)であーる！」「そうですか、ふむふむ」
じゃなくて、
Ger(+6)コードの構成音が頭にパッと浮かぶぐらい脳にしみ込んでいれば、
楽譜どおりの正確な和音を忘れても、コードトーンを弾くことができるから、変な音を鳴らさずにすむよね。　つまり、
演奏中に音を忘れた時の「バンカーショット」の引き出しになるでしょ？
結果的に、心理的に演奏するのが怖く無くなるでしょ？　

机上で勉強するためじゃなくて、実際の現場で使えるようにしておかないと、いつまでたっても使えないよ。　　

いままで貼り付けた動画です👇
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とりあえず今回も素晴らしい模範演奏動画です👇